当海州童子戏特有的狗皮鼓点在剧场中响起，那带着巫祝余韵的古朴唱腔穿透时空，将观众拉入白虎岭上的荒寒岁月。作为省级濒危非遗，海州童子戏曾因受众面窄、传承断层而步履维艰，而小剧场戏剧《白骨夫人》的横空出世，不仅让这一古老剧种成功跻身江苏艺术基金2025年度资助项目、文化和旅游部2025—2026年度中国戏曲像音像工程录制名单、国家级濒危剧目保护名录、中国小剧场戏曲展演等省和国家级平台，更以“传统内核+现代表达”的创作理念，完成了一场对经典神话的颠覆性重构与对人性深度的极致挖掘。这部由江苏省戏剧文学创作院、连云港市淮海剧团、曹艳林童子戏剧团联合打造的作品，用四出戏的精炼结构，让“白骨夫人”从《西游记》中符号化的反派妖精，蜕变为乱世中坚守尊严的悲剧女性，在非遗活态传承的实践中，奏响了一曲振聋发聩的人性悲歌。
神话解构：从“妖”到“人”的身份重塑与叙事革新
《西游记》中的白骨夫人，始终是功能性的反派符号，她的存在只为衬托孙悟空的火眼金睛，其身世空白、动机单一，无非是“食唐僧肉以求长生”的邪恶化身。而海州童子戏《白骨夫人》最具胆识的突破，便是掘开这一符号背后的历史土壤，追问“成为妖精之前，她是谁”这一核心命题，完成了从神话祭品到人性主体的深刻蜕变。
剧本赋予角色一个朴素而坚韧的名字——白荻。“荻”是水边常见的野生植物，耐贫瘠、抗风雨，恰如这位19岁乡村少女的生命特质。这一命名本身便完成了身份的降维与回归：她不再是凭空出现的精怪，而是有父亲、有婚约、有家庭责任的具体社会人——要奉养年迈的父亲白翁，要践行对未婚夫陈哥的承诺照料准婆母陈婆，在“人愁焦旱鬼愁兵”的灾荒战乱中，为了至亲的生存苦苦挣扎。这种身份重构，让“白骨夫人”的悲剧有了坚实的现实根基，也让观众对其命运产生了深切的共情。
叙事视角的转换带来了动机的彻底颠覆。白荻的所有行为，都源于最原始也最沉重的生存困境。剧本开篇便用海州五大宫调的说唱勾勒出残酷的时代背景：“东海郡，说曾经，人愁焦旱鬼愁兵”，而灾荒年代的生存法则更令人心惊——“粮食金贵，哪家老人不上山”。这里的“上山”并非寻常出行，而是一种被社会默许的悲壮献祭：子女将年迈父母背往荒山任其自生自灭，以节省口粮延续家族香火。白荻“背父上山”的核心动作，因此充满了撕裂性的伦理张力：她每一步前行都是对孝道的背离，肩上的父亲“似尘轻”，却又“重似泰山压万钧”。这重量里，既有父女间血浓于水的亲情，也有伦理纲常的无形枷锁，更承载着整个社会结构性困境的缩影。
三重伦理关系的交织，让戏剧冲突高度集中。白荻与白翁的父女情，是全剧最动人的情感内核。白翁并非被动赴死的弱者，他清醒地知晓自己是“拖累”，主动催促女儿“快走”，那句“怨你痴，怨你呆，怨你孝，怨你乖”的唱段，将父爱在绝境中的扭曲与牵挂表现得淋漓尽致——他怨的不是女儿不孝，而是心疼她为坚守孝道将要独自承受的苦难。这种复杂的情感让“孝”摆脱了道德符号的桎梏，有了烟火气与真实感。白荻与陈婆的关系则构成了现实的枷锁，陈婆带来“两个里头送一个”的残酷抉择，让白荻在父亲与准婆母之间陷入两难，而她最终选择牺牲父亲的决定，并非源于血缘偏私，而是对婚约承诺的坚守，这份“义”与“孝”的冲突，更凸显了其命运的无奈。缺席的未婚夫陈哥则是贯穿始终的精神寄托，他“被抓去打仗，不知还在不在”的未知命运，让白荻的所有牺牲都蒙上了一层虚无的阴影，悲剧色彩愈发浓重。
这种叙事革新，让《白骨夫人》跳出了传统戏曲的善恶二元对立，转而探讨更深刻的人性命题。当白荻在绝境中从“人”蜕变为“妖”，观众看到的不是邪恶的滋生，而是文明失序后人性的异化，是“世道食人如猛兽”的残酷现实，将一个恪守孝道与承诺的少女，逼成了传说中的白骨夫人。正如剧中所揭示的，《西游记》里那场轰轰烈烈的“三打”，打死的不仅是一个妖精，更是一个被世道吞噬、又被神话叙事异化的苦难灵魂。
非遗活化：传统元素的守正与现代表达的融合
海州童子戏作为连云港市独有的古老剧种，其原生态的巫祝仪式、“咬鸡”绝活、狗皮鼓伴奏等元素，是区别于其他戏曲的核心标识，也是非遗传承的关键所在。《白骨夫人》的成功，在于它没有将这些传统元素视为猎奇的点缀，而是让其深度融入剧情与主题，同时以现代剧场美学激活其生命力，实现了“守正”与“创新”的辩证统一。
在传统元素的坚守上，该剧做到了原汁原味地传承。全剧以“上山”“觅食”“招魂”“咬鸡”四个核心段落结构剧情，每一部分都承载着童子戏的文化精髓。“咬鸡”作为剧中标志性的非遗绝活，由青年演员薛梦雅演绎得极具张力。这一源于巫祝祭祀的表演形式，在剧情中被赋予了深刻的象征意义。鸡的挣扎与死亡，既是白荻命运的隐喻，也预示着她从人到“妖”的蜕变，原始的仪式感与剧情的悲剧性形成强烈共鸣。狗皮鼓的古朴节奏贯穿始终，时而急促如荒岭风声，时而低沉如人物呜咽，与海州五大宫调的说唱相得益彰，既营造出浓郁的地域民俗风情，又强化了剧情的情感张力。说书人的设置更是点睛之笔，他以海州五大宫调说唱串联剧情，既延续了童子戏“说唱结合”的传统，又起到了类似希腊悲剧歌队的作用，让观众在共情角色苦难的同时，保持一定的审美距离，从而思考灾荒背后的社会问题，拓展了剧作的思想深度。
在现代表达的创新上，该剧则精准契合了当代观众的审美需求。舞美设计采用极简主义风格，以虚拟与象征手法替代繁复的实景搭建，仅用简单的道具和光影变化，便勾勒出白虎岭的荒寒、茅屋的简陋，既保留了戏曲“写意”的美学特质，又避免了传统戏曲舞美与现代剧场的违和感。这种设计让观众的注意力集中在演员的表演与剧情的推进上，有效弥合了传统戏曲与现代观众之间的审美距离。叙事节奏上，该剧摒弃了传统戏曲的冗长铺垫，四出戏环环相扣、层层递进，从“上山”的伦理困境，到“觅食”的生存挣扎，再到“招魂”的情感爆发与“咬鸡”的命运终结，剧情紧凑、冲突集中，符合小剧场戏剧“短平快”的审美特点。
演员的表演则实现了传统功底与现代情感表达的深度融合。主演薛梦雅将淮海戏的功底与童子戏的特色相结合，既准确把握了童子戏唱腔的古朴韵味，又以细腻的情感表演展现了白荻的内心世界。在“背父上山”的段落中，她的步态从坚定到踉跄，眼神从执着到迷茫，唱腔从清亮到嘶哑，将人物内心的撕裂与痛苦表现得淋漓尽致；而在“咬鸡”一场中，她既展现了非遗绝活的技术张力，又通过肢体语言与眼神传递出角色的绝望与抗争，让传统技艺成为情感表达的载体而非单纯的技术展示。这种“以戏促功、以老带新”的传承模式，不仅提升了青年演员的艺术素养，更让童子戏的传统技艺在当代剧情中焕发新生。
主题升华：苦难中的人性微光与文明叩问
如果说叙事革新与非遗活化是《白骨夫人》的艺术骨架，那么对人性与文明的深度追问则是其精神内核。该剧没有沉溺于灾荒战乱的苦难叙事，而是在绝望的底色中，挖出了人性的微光——那是绝境中不愿放弃的尊严，是苦难中坚守的伦理底线，是对生命韧性的极致彰显。
白荻的悲剧，在于她始终面临“无解之局”：背父上山是“不孝”，背陈婆上山是“不义”，谁也不背则是“不智”，全家都会饿死。但她的可贵之处，在于即便身处伦理绝境，也从未放弃人的尊严。当陈婆送来掺有不明成分的野菜饼时，她那句“阎王也欺饿死鬼”的呐喊，是对命运的倔强反抗；当她背着父亲在荒岭中艰难前行，唱着“一捧病骸轻又重，重似泰山压万钧”时，展现的是对亲情的坚守与对承诺的执着；即便在最绝望的时刻，她也未曾主动伤害他人，其“妖化”的本质，是对“人相食”的苦难隐喻，是被世道逼迫的无奈之举。这种在绝境中对人性底线的坚守，让白荻的形象超越了个人悲剧，成为文明底层困境中人性尊严的象征。
该剧对“孝”的重新诠释，更具当代价值。传统戏曲中的“孝”往往带有“愚孝”的色彩，而《白骨夫人》中的“孝”，是复杂而真实的情感表达。白荻的“背父上山”，不是盲目服从伦理纲常，而是在生存压力下的艰难抉择；白翁的“怨女尽孝”，也不是指责女儿，而是父爱与现实的冲突。这种对“孝”的解构，让其脱离了道德说教的范畴，回归到人性本身，既展现了传统伦理在绝境中的脆弱，也凸显了亲情在苦难中的坚韧，引发观众对传统伦理与现代价值的深度思考。
更深层次上，该剧通过白荻一家的遭遇，折射出对战争、饥荒等人类永恒困境的反思。灾荒不仅剥夺了人的生存权，更扭曲了人性、瓦解了伦理，让“弃之山岩省粮粒”成为普遍的生存法则。这种对文明失序的描绘，并非为了展现人性之恶，而是为了追问：当资源极端匮乏时，文明赖以存续的伦理纲常如何维系？个体在结构性的苦难中，如何保持人性的完整？白荻的悲剧给出了答案：即便身处绝境，人性的尊严与情感的坚守，依然是对抗苦难的最强大力量。这种对人类共同困境的叩问，让该剧超越了地域与时代的局限，获得了普遍的人文价值。
传承启示：濒危剧种的“连云港实践”与戏曲创新之路
《白骨夫人》的成功，不仅是一部剧作的出圈，更是濒危非遗戏曲创造性转化、创新性发展的“连云港实践”，为全国非遗保护与戏曲创新提供了有益借鉴。海州童子戏曾因受众面窄、传承断层而濒临消亡，而《白骨夫人》通过“专家团队助力、青年演员担纲、现代剧场赋能”的模式，让这一古老剧种重新走进公众视野，彰显了传统戏曲的当代生命力。
在传承路径上，该剧坚持“以戏护遗”，让非遗元素成为剧情的有机组成部分。童子戏的巫祝仪式、“咬鸡”绝活、狗皮鼓伴奏、海州五大宫调说唱等传统元素，不是孤立的技术展示，而是与剧情、主题深度融合，既保留了非遗的本真，又赋予其新的时代内涵。这种“非遗为体、剧情为用”的创作理念，避免了非遗传承中的形式主义，让传统技艺在当代剧情中获得活态传承，既培养了青年演员，又拓展了观众群体。
在创作理念上，该剧坚持“传统与现代对话”，既扎根地域文化土壤，又契合当代审美需求。作为《西游记》文化发源地，连云港拥有独特的地域文化资源，该剧立足这一优势，将白虎岭传说与海州民间故事相结合，让地域文化成为创作的源头活水。同时，采用小剧场形式、极简舞美设计、紧凑叙事节奏等现代剧场元素，弥合了传统戏曲与现代观众的审美距离，让古老剧种获得了年轻观众的认可。这种“扎根传统、面向现代”的创作思路，为传统戏曲的现代化转型提供了可行路径。
在传播推广上，该剧通过参与国家级平台展演、入选重点艺术项目等方式，扩大了剧种影响力。从江苏艺术基金资助项目，到入选中国戏曲像音像工程、中国小剧场戏曲展演，《白骨夫人》的出圈之路，既是对其艺术质量的认可，也是对非遗保护工作的肯定。这种“以精品树品牌、以品牌促传承”的传播模式，让濒危剧种获得了全国性的关注度，为其后续传承与发展奠定了基础。
当最后一声狗皮鼓点落下，白荻的悲剧已然落幕，但海州童子戏古朴而苍凉的唱腔，却依然在观众心中回荡。《白骨夫人》的成功，在于它既坚守了海州童子戏的非遗本真，又以大胆的叙事革新与深刻的人性挖掘，让古老剧种焕发新生。既展现了地域文化的独特魅力，又触及了人类共同的情感与困境。这部作品告诉我们，传统戏曲的生命力不在于墨守成规，而在于与时俱进。唯有扎根文化土壤、回应时代需求、挖掘人性深度，才能让濒危非遗“活起来”“火起来”；唯有坚持创造性转化、创新性发展，才能让传统戏曲在当代舞台上奏响不朽的生命之歌。
《白骨夫人》的出圈，是海州童子戏的新生，更是中国传统戏曲传承发展的希望。它证明，只要找到传统与现代的契合点，挖掘出传统文化中的当代价值，任何古老剧种都能在新时代绽放光彩，为观众带来兼具艺术美感与思想深度的文化盛宴。而这份对传统的敬畏、对创新的勇气、对人性的关怀，正是《白骨夫人》留给戏曲界最宝贵的财富。
李超（作者系连云港市委宣传部原副部长）
